Le Masque de Zorro : le film de cape et d’épée ultime ?

Son nom, nous le signons à la pointe de notre plume ! Il est temps de rétablir la justice et de rappeler que Le Masque de Zorro, c’est quand même super.

À deux reprises, le réalisateur Martin Campbell a marqué le renouveau de James Bond. GoldenEye a intégré 007 dans une certaine modernité géopolitique, tandis que Casino Royale a pris à bras le corps le genre de l’espionnage pour l’amener vers une violence et un réalisme plus secs, hérités de Jason Bourne.

Mais entre les deux, le cinéaste s’est approprié un autre personnage de la culture populaire avec Le Masque de Zorro, transposition modernisée du justicier masqué, et immense succès de l'année 1998. Pourtant, le long-métrage semble être délaissé depuis quelques années, alors qu’il mérite pleinement qu’on s’y attarde, autant pour ses qualités de blockbuster ultra-maîtrisé que pour ses choix prophétiques, annonçant une certaine mutation d’Hollywood.

 

Le sens du spectacle

 

La marque des grands

Au même titre qu’un Robin des bois ou un roi Arthur, Zorro peut être une figure assez difficile à manipuler sans sombrer dans la redite ou l’affront anachronique. Après des années à chercher un angle d’approche, Steven Spielberg (en tant que producteur) confie finalement le bébé à Martin Campbell, après avoir considéré Robert Rodriguez.

Mais surtout, la production se tourne vers Ted Elliott et Terry Rossio pour développer le scénario. Une idée inspirée étant donné que le duo sort du succès colossal d’Aladdin. A posteriori, il est même amusant de voir à quel point Le Masque de Zorro se définit comme une pierre angulaire du cinéma d’aventure des années 90, orienté vers un renouveau qu’Eliott et Rossio pousseront dans ses retranchements en signant la saga Pirates des Caraïbes.

Le long-métrage partage d’ailleurs avec les autres créations de ses auteurs la même restitution immédiate du genre, alors que la plupart des éléments mythologiques façonnant Zorro sont posés en une petite dizaine de minutes, dans une séquence de révolte endiablée où le montage arrive à nous faire accepter sans peine qu’Anthony Hopkins bondit et crapahute sous le regard admiratif de la foule. La mise en scène de Campbell est alors dédiée à cette focalisation du point de vue, alors qu’il magnifie son héros dans une suite de plans larges épiques et de mouvements de caméra clairs.

 

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